Viagem
Esta história foi produzida pelo programa Glimpse Correspondents.
Nas primeiras ameaças da Segunda Guerra Civil Marfinense, em fevereiro de 2011, Aboudia Abdoulaye Diarrassouba escapou de seu apartamento em Abobo para a casa de seu agente Stefan Meisel, no bairro de Riviera Golf em Abidjan. Em 30 de março de 2011, a batalha por Abidjan eclodiu. O jovem pintor marfinense ficou confinado na oficina na casa de Stefan por 10 dias.
Durante o dia, Aboudia trabalhava na garagem, apenas a 12 metros do caos nas ruas de Abidjan. Entre as calmarias na luta, ele olhava por cima dos muros. Ele viu corpos espalhados pelas ruas. Os corpos receberam graça de alguns dias e, em seguida, pneus foram colocados em cima deles e incendiados. Quando madeira e lixo eram adicionados, a fumaça espessa e pungente acabaria se dissipando. As cinzas restantes foram espalhadas pelos arbustos ou varridas pelo ralo.
Ele pintou o que viu: "o cotidiano, meu ambiente, meu contexto".
Quando Aboudia ficou sem suprimentos, ele misturou as tintas restantes ou vasculhou os materiais. Quando se aventurou fora dez dias depois, ele completou 30 pinturas.
Após dez anos de guerra civil, expatriados se tornam patronos das artes na Costa do Marfim
Meu namorado Manu e eu moramos na Riviera Golf, na esquina da Aboudia. Em janeiro, mudamos de Toronto para cá para buscar novas carreiras: ele trabalha para uma organização que auxilia empreendedores na construção de negócios sustentáveis; Estou focado na escrita freelance.
Quando chegamos, eu só podia ver os restos de guerra: os edifícios enegrecidos, os soldados armados, as grades de ferro nas portas.
Um mês depois, fiz um esforço para prestar mais atenção ao meu ambiente e menos atenção ao contexto sobre o qual havia lido tanto. Pude ver que as estruturas semi-acabadas das casas estavam adquirindo tijolos e argamassa; cercas surgiram e ao lado delas, mesas precárias cheias de mangas, abacaxis e garrafas nubladas de nozes de cola.
Quando chegamos, eu só podia ver os restos de guerra: os edifícios enegrecidos, os soldados armados, as grades de ferro nas portas.
E, no entanto, o que Aboudia viu no ano passado aconteceu apenas a cinco minutos de onde moramos.
Nos anos que se seguiram à independência em 1960, a Costa do Marfim foi um modelo de estabilidade para a África Ocidental, sob a presidência de Félix Houphouët-Boigny, que reinou por 33 anos em relativa paz. Houphouët-Boigny foi fundamental na campanha pela independência do país, mas incentivou os técnicos franceses a ficar e desenvolver a Costa do Marfim.
Em 1978, a Costa do Marfim havia conseguido o Gana como o maior produtor e exportador de cacau do mundo. O presidente Houphouët-Boigny incentivou a imigração a atender a demanda global de cacau. Cidadãos de países vizinhos como Mali, Burkina Faso e Guiné foram atraídos pela prosperidade econômica da Costa do Marfim; em 1980, 26% da população era estrangeira. Dois anos depois, a receita das exportações dobrou.
Mas o benefício econômico durou pouco - uma recessão mundial, seca e uma queda nos preços internacionais de cacau e café afundaram o país em crise econômica. As tensões aumentaram em parte por causa dos milhões de burknabés que vivem na Costa do Marfim à procura de emprego. Os marfinenses “nativos” se ressentiam dos imigrantes que eles agora acusavam de roubar seus meios de subsistência. Após a morte de Houphouët-Boigny, em 1993, o país começou a degenerar em caos.
As tensões entre marfinenses e imigrantes irromperam na primeira Guerra Civil da Costa do Marfim em 2002. A guerra eclodiu entre as forças do presidente Laurent Gbagbo - que atiçou as chamas xenófobas do país contra seu rival, Alassane Ouattara, um muçulmano do norte do país cuja herança marfinense era sendo questionadas - e as Forças Novas da Costa do Marfim, representando os nortistas muçulmanos que apoiavam Ouattara e achavam que haviam sido marginalizados pelos sulistas cristãos.
A guerra terminou em 2004, mas as forças de paz francesas e da ONU continuaram a patrulhar a zona que separava o norte controlado pelos rebeldes do sul controlado pelo governo. As eleições foram continuamente adiadas por Gbagbo e pela inquietação geral do país e não foram realizadas até 2010, cinco anos após o término do mandato de Gbagbo. Então, Gbagbo se recusou a conceder a derrota a Ouattara, e a Segunda Guerra Civil da Costa do Marfim começou, matando mais de 3.000 pessoas.
Durante essa década de conflito, muitas empresas fecharam ou se mudaram, levando a enormes perdas de empregos. Em 30 de novembro de 2011, o Banco Mundial declarou que quatro milhões de jovens estavam desempregados em um país de 21 milhões.
Para os artistas da Costa do Marfim, a guerra civil danificou uma infraestrutura que tinha poucos mecanismos de apoio para começar; mesmo em tempos menos voláteis, os artistas eram pressionados a ganhar a vida com os fardos gêmeos de dez anos de conflito e a diminuição do investimento estrangeiro (na forma de turistas e clientes).
Em julho passado, o ministro da Cultura e Francofonia, Maurice Bandama, disse que os próximos projetos do governo, que incluem festivais e um banco de dados centralizado de locais de artes e cultura, desencadeariam um renascimento cultural na Costa do Marfim: “[É sobre] a implantação de todos artistas, cineastas, pintores para ajudar na cura e na coesão social”, afirmou. "Nosso trabalho [é tornar] esse setor lucrativo."
O slogan do ministério é: "Arte e cultura nos reconciliarão".
Bandama, porém, admitiu que houve desafios na restauração da infraestrutura devido à pilhagem - até o Palácio da Cultura foi fechado por semanas após as eleições de 2010. Sua reabilitação simbolizou o desejo do país de avançar.
Ainda assim, uma cena de arte contemporânea precisa mais do que um local renovado para prosperar - ela deve estabelecer uma indústria para comercializar suas obras, um local com galerias e colecionadores, críticos e um público dedicado. Acima de tudo, uma florescente cena de arte contemporânea precisa de continuidade.
Alguns costa-marfinenses defendem a causa dos artistas contemporâneos na Costa do Marfim: Simone Guirandou-N'Diaye, comissária da primeira Exposição Internacional de Artes Visuais, realizada no Palácio da Cultura em dezembro passado, na qual 50 artistas locais e 15 artistas estrangeiros participaram; Augustin Kassi, nascido em Abidjan, que fundou a Bienal de Arte Naif em 1998, e usa o festival como uma plataforma para promover outro artista da África Ocidental; e Illa Donwahi, que criou a Fundação de Artes Charles Donwahi em 2008 para responder aos canais, museus e galerias de distribuição inadequados (ou ausentes) para artistas em ascensão. A fundação inclui três villas, dois apartamentos e uma residência de artistas.
Existem também coletivos de arte locais, mas esses grupos não geram os fundos necessários para tornar os artistas auto-sustentáveis, embora eles forneçam um sistema de apoio e um senso de solidariedade. Uni-los a outros grupos com idéias semelhantes fora do país é uma tarefa hercúlea em si. A escassez de bancos de dados centralizados e a localização remota de alguns artistas podem impossibilitar as reuniões. Um banco de dados público permitiria aos artistas alcançar facilmente compradores, colegas e proprietários de galerias interessadas e facilitaria encontros para exposições, aberturas de galerias e festivais.
De fato, a maioria dos artistas emergentes na Costa do Marfim não possui conexões com a comunidade artística global que lhes permita monetizar seus talentos. E assim, os expatriados foram investidos na revitalização da cena artística contemporânea do país, alinhando-se aos colecionadores, críticos e aficionados da Costa do Marfim para se tornarem patrocinadores das artes.
Djôly du môgôba
A ascensão de um artista marfinense
Um coelho magro rastejou por trás da última tela de Aboudia, que ficava sob um teto de papelão ondulado na garagem do agente Stefan Meisel. Quando Aboudia foi morar com Stefan, ele trouxe dois coelhos brancos - agora Stefan os considera "nossos animais de estimação em nosso espaço de trabalho".
Stefan e eu estávamos sentados no terraço. O coelho beliscou meus dedos quando peguei meu copo de água. Seus olhos eram brilhantes e com bordas rosadas; uma massa de tinta acrílica azul estava embutida em seu pêlo.
Cinco anos atrás, Stefan "conheceu uma garota" e a seguiu de Berlim para Abidjan. A cidade combina com ele, com seu traje descontraído e comportamento ainda mais descontraído. Sua camisa listrada estava desgrenhada, o cabelo em um rabo de cavalo solto. Ele estava fumando seu terceiro cigarro do dia.
Certa vez, Stefan era um artista por si só, mas, como ele disse com franqueza, ele desistiu porque percebeu que nunca seria um "artista de alto nível". Entre suas outras profissões, ele ocupou a cobiçada posição de fotógrafo de Côte O time de futebol do Marfim, Les Éléphants, e supervisionou a produção da lista telefônica do país. Ele agora é o agente de vários artistas da Costa do Marfim.
"Após a primeira revolução no final dos anos 90 e depois no segundo ano passado, a Costa do Marfim tornou-se um pouco de vácuo cultural", disse Stefan. "Mas mudou agora com a Internet e influências externas."
Stefan descobriu Aboudia através do Facebook quando viu as pinturas de Aboudia na página de um amigo. Ele visitou o estúdio de Aboudia no distrito de Abobo e concordou em pagar a Aboudia uma quantia mensal de 300.000 CFA (US $ 570 USD) - metade pelos materiais de pintura e a outra metade pelos gastos com a vida. (Stefan me disse que Aboudia gastou a maior parte do dinheiro nos materiais.)
Aboudia nasceu em Abengourou, uma pequena cidade a cerca de 240 km de Abidjan. Quando ele disse a seus pais que queria se tornar um artista, seu pai o expulsou de casa, mas sua mãe lhe deu suas economias (15.000 CFA, cerca de US $ 30) para concorrer a uma bolsa em Abidjan. Ele garantiu a bolsa, mas teve que dormir na sala de aula porque não tinha onde morar. De manhã, ele fingia que tinha acabado de chegar "de uma casa que eu não tinha".
Em dezembro de 2010, quando as tensões aumentaram e houve explosões esporádicas de violência em Abidjan, Aboudia mudou-se para um estúdio de 10 m2 sem chuveiro ou vaso sanitário, com apenas quatro pinturas em seu nome.
Ele morava perto de Abobogare, a estação ferroviária em um dos bairros mais densamente povoados de Abidjan. A área tem sido um refúgio para migrantes e outras pessoas pobres. Ele se inspirou nos grafites das crianças nas paredes públicas, em como as crianças usavam carvão para rabiscar fotos de carros, televisões e outros símbolos de status.
"As crianças se tornaram meu modelo: os mais fracos, não levados a sério, evitados, sozinhos em seu mundo", disse Aboudia.
“É um estilo infantil - como grafite que você encontra na rua. É como se eles estivessem passando uma mensagem através de mim.
Aboudia se refere ao seu estilo artístico como "nouchi", a gíria urbana falada pelos jovens em Abidjan.
“É um estilo infantil - como grafite que você encontra na rua. É como se eles estivessem passando uma mensagem através de mim.
Aboudia coloca significado em suas pinturas usando itens reciclados, como papéis de cigarro, sacos de cimento vazios e caixas achatadas de palitos de fósforos “Afrika”. Na garagem aberta, há uma estante cheia de objetos encontrados: histórias em quadrinhos, papéis de cigarro, livros ilustrados, capas de revistas, dicionários …
O primeiro passo no processo artístico é colocar uma colagem sobre tela. Em uma pintura, um pôster do Moulin Rouge aparece por baixo de manchas de giz cinza: “Descubra … o cabaré mais famoso do mundo.” Em outra, a fotografia de um guerreiro africano é delineada em acrílico preto, seus traços apagados pela tinta.
No segundo passo, Aboudia adiciona tintas acrílicas e termina a tela com giz de cera e caulim, argila macia esfregada na pele dos participantes das cerimônias tradicionais. Ele até usou café instantâneo para obter o tom certo de marrom. O passo final é a adição de texto ou números. O título é geralmente incorporado em sua obra de arte: “veneno eleitoral”, “ONUCI” (a missão da ONU na Costa do Marfim), “Interdit d'uriner” (aqui é proibido urinar).
As primeiras pinturas são principalmente em tons de terra e pastéis. As crianças são figuras de pau, cercadas pelas palavras tranquilizadoras das figuras da família - “Um beijo, Maman” - e os rostos têm uma suavidade, as cabeças ovais e os olhos e bocas arredondados sugerindo inocência.
A pintura “Não mije - coloca você em problemas” foi feita em 2010, antes das crianças estarem ameaçadas de guerra civil. As palavras “fino” e “palabro” (outra palavra para uma briga) pairam no ar. A pintura lembra uma época em que a polícia teve tempo de lidar com pequenos delitos.
Aboudia não tinha o dólar de US $ 0, 95 para pegar o trem, então ele caminhava 30 km até o centro de Abidjan para mostrar suas pinturas aos proprietários da galeria. Seu trabalho foi muitas vezes rejeitado porque não refletia a arte africana tradicional em termos de técnica ou conteúdo.
Historicamente, os ocidentais insistiram na identificação étnica da arte africana; eles acreditam que deveria refletir a “cultura tradicional”: uma associação com magia ou bruxaria, a representação de animais africanos como leões e antílopes, o uso de cores naturais e materiais indígenas (como as esculturas de ouro em Gana ou as esculturas em madeira feitas pelos Baulé pessoas das árvores que se alinham na costa da Costa do Marfim).
Com a Internet e a crescente globalização, a arte marfinense está começando a incorporar técnicas e idéias ocidentais. A tradição está sendo imaginada de maneiras diferentes, e os usos clássicos de forma e cor estão sendo deixados de lado. Os artistas da Costa do Marfim estão se esforçando para serem reconhecidos como indivíduos, e não como entidades que representam regiões - ou todo o continente - da África.
“Muitos artistas trabalham no estilo tradicional africano e alguns copiam estilos ocidentais famosos e dão a eles um 'toque africano'. Mas há apenas alguns que têm uma identidade, um estilo individual”, disse Aboudia. “Sabe, nós nos conhecemos, às vezes estamos fazendo uma das poucas exposições coletivas do ano juntos, mas é isso. Estou acostumado a ficar sozinho, trabalhando sozinho … que a maioria dos outros artistas não gosta ou não entende o meu trabalho.”
Quando Aboudia finalmente vendeu suas primeiras pinturas, ele disse que seus clientes eram "os brancos, embaixadores [e] galeristas de outros países".
Em fevereiro passado, as telas de Aboudia ficaram maiores, mais movimentadas e mais escuras, com corpos fantasmagóricos e esqueléticos e tinta escarlate. Eles têm um aspecto de pesadelo com bocas que se abrem, dentes que lembram lápides e linhas e mandíbulas duras e angulares.
Aboudia foi comparado a Jean-Michel Basquiat, o pintor nascido no Haiti que iniciou sua carreira como grafiteiro na cidade de Nova York. Aboudia adotou algumas das técnicas de Basquiat: pinceladas espontâneas, caveiras quadradas e dentes à mostra, a combinação de texto, mídia e códigos - logotipos, palavras, letras, números, pictogramas. (Aboudia pintou "Hommage to Basquiat", no qual uma silhueta dos dreadlocks icônicos do Nova York ocupa o centro do palco.)
Uma das pinturas mais famosas de Aboudia da guerra civil foi "Comando Invisível", na qual um soldado é mostrado atirando em um policial. Stefan disse que era perigoso mostrar essa foto durante o conflito.
O "Comando Invisível" era o apelido do sargento Ibrahim Coulibaly. Em janeiro de 2011, Coulibaly era o chefe de um grupo de milícias que apoiava o presidente eleito Ouattara. Ele viveu no antigo bairro de Aboudia, Abobo, onde sua milícia liderou uma série de ataques surpresa contra forças pró-Gbagbo. Quando Gbagbo foi deposto, o presidente Ouattara iniciou as operações para desarmar milícias de ambos os lados, mas Coulibaly se recusou a abandonar os braços e foi morto em um tiroteio em 27 de abril de 2011.
As cores da camuflagem dominam a pintura, exceto um veículo incandescente das Operações das Nações Unidas na Costa do Marfim (ONUCI) em segundo plano. Um pôster “Vote Gbagbo” sangra pelo canto direito da tela, mostrando o ex-presidente confiante saudando o público.
Os artistas costa-marfinenses querem que suas obras sejam apreciadas por seus próprios méritos, e não pelas circunstâncias em que foram feitas.
A escuridão do período é palpável em todas as pinturas de Aboudia durante a guerra. A estratificação de imagens rasgadas imita a brutalidade do ambiente de Aboudia, destruída por soldados e bombardeios. A agitação de números e letras em segundo plano aumenta a confusão; as pessoas ficam distorcidas pelas lentes da guerra civil. Um vislumbre enfaixou cabeças e rostos com os olhos arrancados.
As pinturas inspiradas na guerra civil chamaram a atenção do público para Aboudia. Após considerável cobertura da mídia internacional, o dono da galeria, Jack Bell, realizou a primeira exposição do pintor marfinense no verão passado, em Londres. Agora Aboudia é capaz de viver confortavelmente de seus ganhos.
“[O conflito] é o que as pessoas estão interessadas - e abre a porta. Mas porque ele foi reconhecido no mundo por suas pinturas de guerra, isso não significa que as pinturas anteriores eram … menos”, disse Stefan. "Mas ele foi o primeiro artista a pintar o documentário sobre o conflito."
E Aboudia não se vê apenas como um "pintor de guerra".
“Os conflitos fazem parte da vida, como outras coisas positivas também. Meu papel é observar e pintar. Se eu não posso fazer isso, estou perdida”, ele disse. "Se isso pode ajudar as pessoas a se lembrarem do que aconteceu nos últimos meses, isso é bom, mas acima de tudo eu pintei essas obras para mim".
Como Stefan disse: "Ele pinta porque precisa pintar".
Os artistas marfinenses se ressentem de serem definidos pelo conflito - eles apenas querem deixar isso para trás. A mídia ocidental tende a se concentrar nos aspectos mais miseráveis da África Ocidental: guerra civil, pobreza, AIDS. Os artistas costa-marfinenses querem que suas obras sejam apreciadas por seus próprios méritos, e não pelas circunstâncias em que foram feitas.
“A guerra e a crise que a antecederam foram um episódio que eu documentei, nem mais nem menos. Hoje guardei meus pincéis de guerra e estou pintando novamente as pequenas alegrias do dia-a-dia das pessoas”, disse ele. "Comecei a voltar para ver os filhos de Abobogare."
E Stefan está no processo de lançar a primeira galeria online de arte contemporânea da Costa do Marfim em outubro de 2012; representa sua lista atual de clientes, incluindo Aboudia e a escultora Camara Demba. Ele nomeou o site Abobogare.com.
Yubah trabalhando com jovens artistas
Viajando entre as costas da Europa e da África
Virginia Ryan e Yubah Sanogo trabalham no bairro Cocody de Abidjan. Virginia é uma artista nascida na Austrália casada com o embaixador italiano na Costa do Marfim; sua residência abriga um estúdio de arte, onde Yubah, um marfinense nativo de Senufo (um grupo étnico no norte da Costa do Marfim), é assistente por três anos. Yubah viaja entre sua casa na cidade de Bingerville e Abidjan.
Quando cheguei à Embaixada da Itália, os guardas solicitaram um documento de identificação, deram-me uma rápida olhada e abriram o portão. Eu estava adiantado e Yubah tinha saído para almoçar. Um dos criados me levou para a varanda dos fundos, onde eu tinha vista para um jardim verdejante e uma piscina azul-celeste, onde dois guarda-costas estavam tomando banho de sol.
Quando Yubah dobrou a esquina da casa, ele usava o jeans do pintor icônico e uma camisa listrada de golfe. Descemos os degraus da varanda e fomos para a esquerda para o espaço de trabalho.
O estúdio tinha duas áreas cobertas. Um deles era atapetado de relva artificial para esculturas, como o rabo da sereia gigante feito de extensões de cabelo preto. Havia também uma versão menor da cauda de sereia, feita de arame, torções de fio de plástico e cabeças de bonecas de plástico, branqueadas - pareciam conchas golpeadas pelo sol. Virginia e Yubah recuperaram esses itens da costa da Lagoa Ébrié, onde Abidjan está situado.
Durante a guerra do ano passado, Yubah comutou entre seu próprio espaço de trabalho em Bingerville e o espaço de trabalho que ele compartilha com a Virgínia na residência da Embaixada da Itália. No auge da crise, em abril de 2011, ele não pôde deixar a residência da embaixada, mas isso lhe permitiu trabalhar continuamente. Ele me disse que pintou imagens que eram "escuras e cheias de tristeza e paz" enquanto disparavam tiros ao seu redor. Para ilustrar o ponto, ele me mostrou uma rachadura em uma das paredes, onde uma bala ricocheteou.
A situação em Bingerville era pior. Enquanto Yubah estava pintando lá, o sangue espirrou em sua tela quando uma bala roçou uma mulher que passava com seu filho.
"Deixei a ferida [na tela] para dizer 'nunca mais'", disse ele. “Isso me levou a trabalhar mais; empurra quem sou e o que pinto.”
Descascou cuidadosamente o plástico de um conjunto intrincado de cabeças de sereia que fez com a Virginia para a exposição The Spirit of the Water, em novembro de 2011. Desenterrou objetos de papel machê adornados com detritos da costa - conchas, membros de bonecas e brinquedos soldados Eles tinham um emaranhado de extensões de cabelo e bolinhas de gude para os olhos. Itens abandonados que chegam à praia são um tema recorrente nas obras de arte da Virgínia e também se infiltraram no trabalho de Yubah.
O que manteve seus "amigos artistas" em Abidjan durante a guerra do ano passado foi o conhecimento de que seus colegas artistas também continuaram trabalhando.
O Spirit of the Water, a exposição da Virgínia, foi inspirado pela ideia de que as mitologias viajam entre países e são literalmente varridas para terra. A Virgínia identificou a sereia como um “portador da mitologia” entre europeus e africanos durante séculos.
Em janeiro de 2010, a Virginia pediu a artistas da Costa do Marfim e do Gana que criassem obras inspiradas nesse tema da sereia. Com o apoio da Fundação Charles Donwahi de Arte Contemporânea, a exposição foi inaugurada em 25 de novembro de 2011, com 50 obras, quando a crise estava começando a escalar. Os artistas perceberam o tema da sereia em tudo, do batik tradicional ao bronze e gesso.
Yubah produziu um cubo chamado "La Mère de la Mer" (a mãe do mar). Cada lado do cubo está inundado de azuis pálidos; de um lado, a corda foi costurada na tela para criar a cauda de uma sereia e mechas de cabelo esvoaçantes. Agora, fica na sala de estar da Virgínia - uma das muitas peças que ela comprou desde que chegou à Costa do Marfim em janeiro de 2010.
Uma das clientes de Stefan, Camara Demba, criou uma escultura intitulada "Mamiwata meets Manga"; sua sereia tem uma coroa berrante e amarela, cauda cinza e torso verde escuro. Salif Youssouf Diabagaté, nascido em Abidjan, pintou uma sereia trágica e aprisionada na superfície de sacolas reutilizadas, intitulada “Visão de Mami Wata”. Dramane Quattara, um escultor de Grand-Bassam, Costa do Marfim, criou duas sereias contorcidas em bronze, cada cabeça amarrada à cauda da outra.
Havia também o rabo de uma sereia em branco de papel machê com a palavra “paz” suspensa no teto. Os artistas convidaram os participantes a escrever seus comentários em qualquer idioma. Tornou-se o trabalho coletivo final - uma obra de arte que foi concebida no local e só poderia ser completada pelas palavras de outras pessoas.
No início de dezembro de 2010, a exposição foi cancelada devido à guerra. Virginia ficou maravilhada com a esperança das pessoas na exposição O Espírito da Água - apenas alguns meses antes da cidade desmoronar.
Mas essas não eram circunstâncias desconhecidas. O conflito na Costa do Marfim provocou memórias do trauma que a Virgínia havia experimentado “em terceira mão” em Belgrado no início dos anos 90. Durante a guerra civil, ela criou maneiras de “sair de sua própria pele como artista e imaginar outras maneiras de fazer arte com pessoas durante ou depois de situações como essa”.
O movimento constante caracterizou grande parte da vida da Virgínia. Ela viveu em Gana, Egito, Brasil e ex-Iugoslávia.
"Mas, em vez de isso se tornar um tipo de extravio … a experiência do deslocamento alimenta meu trabalho totalmente", disse ela. "Estou sempre tentando criar algum tipo de estabilidade em meio a experiências de movimento."
Quando ela e o marido se mudaram para Edimburgo, na Escócia, ela completou um diploma em arte-terapia. Isso reforçou seu desejo de se conectar com outros grupos de artistas. Para ela, esse encontro de pessoas faz parte do processo de cura e também uma maneira de ajudar artistas emergentes. De fato, o que manteve suas "amigas artistas" em Abidjan durante a guerra do ano passado foi o conhecimento de que seus colegas artistas também continuaram trabalhando.
"Eu acho que é extremamente valioso que os artistas continuem fazendo seu trabalho … é um sinal de que existe algum tipo de coesão social", disse ela.
“A arte [está sempre] conectada à ação social. Mesmo que eu esteja no meu quarto fazendo algo que parece divorciado do resto do mundo, não é…. Nesse nível, acho que a arte é valiosa em si mesma - você não precisa dela por outras razões.”
Virginia gostaria de estabelecer uma fundação semelhante à que ela fundou em Gana em 2004, criada para fornecer uma rede ativa de artistas e desenvolver a arte contemporânea em Gana. Ele cresceu para 100 membros.
Foi um pouco mais difícil criar essa coesão social em Abidjan, mas a Virgínia teve algum sucesso na promoção de artistas marfinenses. Ela liderou um grupo chamado Abidjan Anglophone Art Safaris. É descrito como “para os amantes da arte da África Ocidental - em inglês” e dá aos expatriados a oportunidade de aprender sobre arte contemporânea e se envolver com jovens artistas marfinenses.
Os safaris de arte são sobre dupla exposição: os aficionados por arte são expostos à arte da África Ocidental e os artistas a um público mais amplo e a potenciais compradores. De fato, a dualidade geralmente surge no cenário da arte contemporânea na Costa do Marfim, seja sobre a fusão de duas culturas ou de técnicas clássicas e modernas.
A relação entre expatriado e artista não é unilateral. Interagir com artistas da África Ocidental alterou a arte da Virgínia, de seus temas aos materiais reciclados que ela usa. De muitas maneiras, Virginia é quem ela pretende estudar - uma mulher que viaja entre as costas da Europa e da África.
Quando itens descartados são resgatados, eles se tornam multifacetados: práticos e ecológicos, porque o lixo se torna arte; atemporal, porque eles ganham uma segunda vida ao migrar de uma costa para outra, depois de seus ambientes encontrados para a tela do artista. Eles também se tornam artefatos imbuídos de história cada vez que são recuperados da costa.
Quando Virginia foi para Accra, ela carregou todos os seus materiais de arte caros, mas se sentiu culpada por usá-los quando ninguém mais podia pagar. Ela observou como os artistas ganenses criativos estavam usando o que estava ao seu redor e adotou sua filosofia.
Na arte tradicional da Costa do Marfim, a função é valorizada sobre a forma. Não se trata tanto da beleza do objeto, mas da finalidade a que ele serve. Embora os ocidentais tendam a apreciar a arte por si só, a arte da África Ocidental tem sido historicamente vinculada a seus usos variáveis e não a seu valor estético. Por exemplo, uma máscara pode representar ancestrais ou espíritos poderosos e facilita a comunicação entre pessoas e seres sobrenaturais. Outros objetos são feitos na forma de figuras humanas e animais; eles são usados para afastar os males de doenças, desastres naturais ou infertilidade.
Historicamente, o objeto deve ser útil antes de se tornar bonito; sua beleza é simplesmente parte de sua função. Por esse motivo, os itens descartados tinham pouco valor e eram percebidos como inúteis ou obsoletos. Mas a Virgínia ajudou a remover essa estigmatização para Yubah, que agora as usa regularmente em sua arte.
"Se você reciclar um objeto e dar uma nova vida a ele, em certo sentido, trata-se de esperança e regeneração - e é isso que as pessoas precisam sentir após uma grande ferida cortante como uma guerra", disse Virginia.
Ao abraçar as técnicas marfinenses e européias, ele efetivamente se torna um canal que liga o cenário da arte marfinense contemporânea ao global.
O uso de materiais reciclados por Yubah não apenas reflete um movimento artístico contemporâneo, mas também incentiva outros artistas a usar itens de custo acessível e prontamente disponíveis para sua arte - e a imaginar usos diferentes para esses objetos: o fio de galinha pode ser moldado em jóias; asas de borboleta são costuradas para fazer uma tapeçaria; vasilhas vazias se tornam uma bateria. E eles se tornam, de fato, símbolos da renovação do país após a guerra civil.
Em 2010, Yubah começou a trabalhar com a Terre des Hommes, uma organização que administra um programa de educação informal para crianças de favelas no sudeste da Costa do Marfim. Ele colaborou com essas crianças em uma escultura feita com materiais agrícolas reciclados. Eles também o ajudaram a recuperar sacos de água das ruas, folhas esfarrapadas e colares e sapatos descartados da praia. O produto final foi revestido com tinta branca e decorado com um punhado de estrelas negras. O objetivo da escultura era provar a essas crianças que ser artista não estava fora do seu alcance.
Yubah também é presidente de um coletivo local, a Associação de Jovens Artistas em Bingerville, que fornece apoio e orientação a jovens artistas após o término da escola.
"[Antes] quando os artistas terminavam a escola, eles não tinham direção", disse ele. “Então decidimos trabalhar juntos para trazer esses alunos de volta ao contato com [artistas mais experientes] para melhorar suas habilidades técnicas e profissionais. Queremos trabalhar com todos os artistas visuais da Costa do Marfim e outros artistas [na África].”
Não há taxa de associação; em vez disso, cada um dos 50 artistas deve contribuir com uma pintura para uma exposição que eles esperam que gere fundos para as necessidades da associação, que variam de materiais de pintura a espaço de trabalho.
Durante a guerra do ano passado, os artistas de Bingerville colaboraram para garantir que pudessem continuar fazendo arte compartilhando espaços de trabalho e suprimentos - e demonstraram solidariedade ao continuar trabalhando durante a crise.
No caso de Yubah, sua obra de arte afirmou outro fato: ao adotar as técnicas marfinenses e européias, ele efetivamente se torna um canal que liga o cenário artístico marfinense contemporâneo ao global.
"Faço uma mistura [das formas de arte], porque, à medida que me familiarizo com o mundo, quero que cada pessoa se encontre no meu trabalho, nas minhas pinturas", disse ele.
Pés na tradição, cabeça no modernismo
Mère U (Mãe U)
Galerie LeLab é um coletivo de artistas no distrito de Abidjan na Zona 3, administrado por um francês, Thierry Fieux. A Fieux lançou o LeLab para promover e vender o trabalho de artistas contemporâneos da Costa do Marfim. Ele também investe em treiná-los sobre as práticas atuais nas artes visuais para torná-los mais competitivos no cenário mundial. Atualmente, o LeLab está exibindo as obras de seis artistas.
Levando a sério a afirmação do Ministro da Cultura e de Francophonie de que os festivais são a base de qualquer cultura, Thierry lançou o Festival Internacional de Artes Visuais de Abidjan em 2007.
É um festival multidisciplinar, que apresenta pinturas, escultura, fotografia e um simpósio, entre outras coisas. Seu objetivo é unir artistas da Europa, América, Ásia e África em torno do tema da arte e do desenvolvimento. Também destaca artistas emergentes que exibem seus trabalhos artísticos para visualização e venda na Galerie LeLab. O festival ocorre durante três semanas na galeria, na Fundação Charles DONWAHI de Arte Contemporânea e em outros locais artísticos da Costa do Marfim.
Como a lista de artistas de Stefan, a maioria dos artistas de Thierry são jovens marfinenses que procuram ganhar a vida com sua arte. Há uma nítida falta de artistas marfinenses do sexo feminino. Historicamente, as mulheres foram excluídas do mundo das belas artes; O viés de gênero ainda é forte hoje na Costa do Marfim e a idéia persiste em que o lugar de uma mulher é o lar, onde eles podem criar filhos e cuidar do trabalho doméstico.
Um dos artistas emergentes de Thierry é Djeka Kouadio Jean-Baptiste, que expõe regularmente na Galerie Lelab e foi assistente de Aboudia para a oficina de arte em fevereiro. Como Yubah, Djeka trabalha fora de sua casa em Bingerville.
O pintor de trinta anos nasceu em Bouaké, a segunda maior cidade da Costa do Marfim. Ele tem uma forte conexão com sua herança marfinense e lamenta o fato de seus ancestrais serem "intelectuais que foram esquecidos". Em suas composições, ele desenha símbolos de objetos tridimensionais como máscaras, estátuas, estatuetas e balanças para pesar Akan ouro.
Djeka se destacou como artista usando uma técnica de impasto para representar os vínculos entre as pessoas, seus valores culturais e o universo. A técnica é chamada de "couler", onde ele permite que várias cores fluam juntas em sua tela. Suas pinceladas criam movimento e tensão em suas pinturas. A espessura da pintura e seu uso de símbolos e padrões geométricos fazem as pinturas parecerem tridimensionais. Às vezes, ele coloca imagens sobre papel de jornal - uma técnica também usada por Aboudia. Ele re-imagina imagens tradicionais e usa técnicas modernas para traduzi-las para sua tela.
Djeka disse que se concentra na herança esotérica africana em suas obras de arte. Ele quer que o observador pondere as dimensões espirituais e históricas de suas pinturas. Ele presta homenagem aos seus antepassados ("porque somos o povo atual de uma geração passada"), mas também quer desafiar seu conceito de arte marfinense.
Djeka permaneceu em Abidjan e pintou durante o conflito. Como Yubah, ele trabalhava continuamente em seu estúdio em casa, em Bingerville. Ele não nega que o conflito influenciou seu trabalho, mas não é específico da guerra civil do ano passado.
"Que tema é mais conflituoso [do que a herança africana] entre nós?", Perguntou ele. “Desde meus primeiros passos nas artes, conflito é uma palavra cotidiana… especialmente quando queremos [anunciar o retorno] da cultura na África e especialmente [na Costa do Marfim].”
Djeka me disse que ele tem os pés na tradição, mas a cabeça no modernismo.
Escultor Camara Demba
Um dos clientes de Stefan Meisel, Camara Demba, expôs na Galerie Lelab e compartilha um processo artístico semelhante com Djeka em termos de fusão do tradicional e do moderno.
Camara nasceu no ramo da escultura e começou a trabalhar nessa forma de arte em sua infância. Desde tenra idade, ele adquiriu um profundo conhecimento de materiais e tradições mais antigas na escultura marfinense. Máscaras ancestrais inspiraram seus primeiros trabalhos - ele esculpiu estátuas de madeira e incorporou conchas, pregos de metal e pregos na obra de arte para imitar marcas de escarificação.
Na casa dos vinte anos, Camera deu um toque moderno à sua arte. Ele foi capaz de acessar a mídia ocidental e a Internet e se tornou fortemente influenciado pelos quadrinhos de mangá e pelos escultores ocidentais.
Em 2000, ele alcançou algum sucesso e encontrou um agente, que facilitou a venda de suas obras na Europa; infelizmente, o agente levou a maior parte de seus ganhos. O escultor voltou às formas tradicionais de arte para ganhar a vida, mas um encontro casual com Stefan em 2011 acendeu seu desejo de voltar ao mundo da arte contemporânea.
No ano passado, ele produziu uma coleção chamada Demba Manga. Nas 30 criações de Camara, objetos e animais ancestrais como pássaros, elefantes, antílopes e crocodilos se misturam com esse mundo de ficção científica e videogame. Outros robôs esculpidos têm corpos tradicionais africanos, mas as cores vibrantes e as cabeças dos super-heróis Manga com olhos anormalmente grandes e cabelos verdes ou azuis.
Na casa de Stefan, vi algumas das esculturas de Camara, feitas de madeira pesada pintada. A densidade da madeira e o brilho das tintas os faziam parecer como se fossem de plástico ou metal.
Uma das esculturas parecia um astronauta; um pedal de bicicleta saltava da cabeça e a mão esquerda era uma parte reciclada de uma impressora ou geladeira quebrada. Mas a escultura tinha os emblemas da cultura tradicional da Costa do Marfim: a escarificação do corpo, o rosto em forma de máscara, as pernas rotundas.
Stefan descreveu Camara como um artista que fazia parte da "geração intermediária" após a independência da Costa do Marfim em 1960.
“Ele ainda não se destacou muito da tradição familiar, mas também não chegou de maneira independente. Mas Camara Demba é uma representação real de seu tempo e sua geração - um precursor da arte contemporânea africana, não copiando, mas influenciado nos dois sentidos. Se ele [continuar assim], ele será o [ponto de referência] para uma próxima geração.”
Um artista, não um mendigo
A primeira vez que vi o artista Adamo Traoré, ele foi instalado próximo à entrada do shopping Hypermarche Sococé, quase coberto de poeira e fumaça. Um grande guarda-chuva estava empalado nas hastes pontiagudas do portão do shopping. Sob isso, Adamo sentava, pintava ou percorria seu inventário.
O artista de 32 anos pinta com uma caneta entre o queixo e a ponta do braço restante. Ele nasceu sem membros inferiores ou braços, mas é capaz de andar com uma muleta. Antes de chegar, um segurança coloca suas pinturas nas barras pintadas dos portões; então, quando Adamo chega de táxi de Adjamé, um bairro de Abidjan, o guarda o ajuda a organizar seus papéis e telas, bem como suas paletas de guache (aquarela opaca).
Fiz uma visita à Adamo no final de maio. Ele chegou a Sococé pouco antes do meio dia, usando uma mochila no corpo para guardar o dinheiro que recebia.
Agachei-me sob o guarda-chuva para evitar o sol do meio-dia. Era difícil acreditar que ele estivesse aqui desde 2007; embora os proprietários de Sococé tenham sido generosos em compartilhar o espaço ao ar livre com ele, o ambiente dificilmente é ideal. Ainda assim, ele é capaz de produzir quinze desenhos por dia - embora a pintura que ele deve fazer depois leve muito mais tempo.
Adamo no trabalho
Suas pinturas exibiam as paisagens da Costa do Marfim: florestas equatoriais exuberantes e lagos límpidos cheios de peixes ("peixe suficiente para todos", ele me disse). As pinturas de seus filhos exibiam Dora the Explorer em vários cenários exóticos. A religião também se destacou: em uma pintura, Jesus levantou uma chama em súplica, o rosto emoldurado por uma coroa de rosas; em outro, folhas de palmeira e um céu azul-petróleo emolduravam uma mesquita.
Embora as pessoas gostem de sua arte, ele admitiu que pode levar meses para fazer uma venda e o sol e a chuva degradam suas pinturas. Ele tem esperanças de conseguir um espaço de trabalho dentro de casa; mesmo depois de cinco anos na Sococé, seu otimismo parecia íntegro.
Quando Adamo tinha nove anos, conheceu o diretor de Providence, um centro para crianças com deficiência física; seu objetivo principal era tornar as 200 crianças do centro independentes. Marie Odile Bilberon, nascida na França, deu as boas-vindas a Adamo no centro e o ensinou a andar, falar francês e escovar os dentes. Ela também o apresentou ao desenho e o ensinou a definir e harmonizar cores. Ele participou de exposições e produziu cartões que foram vendidos pela Providence para arrecadar fundos para a instituição.
Um dia, sua mãe procurou Marie Odile para pedir dinheiro e Marie Odile recusou. Adamo não podia acreditar que eles não poderiam poupar alguns francos para sua mãe depois de tudo o que ele havia dado à organização. Em 2000, ele saiu e foi morar com amigos no distrito de Abobo, onde implorou nas ruas para sobreviver.
Mas em 2005, ele decidiu voltar a pintar e acabou morando em Sococé. Ele teve poucas ausências, exceto durante a crise do ano passado, quando foi forçado a se refugiar em sua casa em Abobo.
Eu disse a Adamo que essa era minha primeira compra de arte na África Ocidental e pedi que ele escolhesse qual pintura ele queria que eu tivesse. Primeiro, ele me mostrou uma pintura em tons de marrom e bege. À primeira vista, parecia um objeto amorfo que havia sido enterrado no chão. Adamo me disse que era uma foto de um útero e o bebê estava fisicamente incapacitado. Acima do bebê estavam as palavras "O aborto não está certo".
"Você não deve destruir o que Deus lhe deu", disse ele antes de passar para a próxima pintura; naquele, Jesus estava segurando uma vela.
"Ele me dá coragem", disse ele. "Eu sou um artista. Não sou mendigo. Ele repetiu a frase várias vezes naquele dia.
"Eu vou levar este", eu disse. Quando estendi a mão para colocar o dinheiro em sua mochila, uma mulher jogou 5.000 CFA (US $ 10) pela janela do carro. Adamo sorriu apenas o suficiente para chamar sua atenção, depois voltou ao maço de papéis e tirou a última venda da lista.
[Nota: esta história foi produzida pelo programa Glimpse Correspondents, no qual escritores e fotógrafos desenvolvem narrativas longas para Matador.]
