Quando eu estava estudando história da arte na faculdade, frequentemente encontrava o nome "Barnes Foundation" embaixo das imagens em meus livros. Ao contrário dos outros museus representados nessas páginas, o Barnes não estava localizado no coração de uma metrópole como Paris ou Londres ou São Petersburgo, mas em uma cidade conhecida como Lower Merion, Pensilvânia, um subúrbio a noroeste da Filadélfia.
Esse local fora do caminho não foi por acaso. Albert C. Barnes, o homem rico e excêntrico que acumulou um tesouro de obras-primas de artistas como Matisse, Van Gogh, Picasso, Monet e Renoir - agora vale algo entre US $ 20 a US $ 30 bilhões (mas, nesse nível, quem está contando?) - manteve distância da sociedade de elite da Filadélfia depois que a primeira exposição pública de seu trabalho, em 1923, foi violenta pelo estabelecimento de arte da cidade.
Anos mais tarde, os gostos mudaram radicalmente a favor de Barnes, e a cidade da Filadélfia, particularmente seu Museu de Arte, lançou um olhar invejoso à Fundação Barnes, sem dúvida a maior coleção de arte que quase ninguém tinha visto. Isso se deveu não apenas à sua localização, mas também às suas rigorosas limitações aos visitantes. Durante a vida de Barnes, visitantes em potencial tiveram que escrever cartas solicitando a admissão do milionário hipócrita, que negou nomes como o poeta TS Eliot e o romancista James Michener. Ele estava mais interessado em ter estudantes de arte do que celebridades em seu museu. Após sua morte, o horário de visitas tornou-se mais regular, mas limitado, assim como o número de pessoas autorizadas a ver a coleção todos os dias.
Há alguns anos, realizei meu sonho de visitar a Fundação Barnes, reservar meu ingresso com antecedência, alugar um carro e dirigir até Merion, com suas colônias de pedras e tijolos e densos carvalhos e arbustos que fora de um ar de tranqüilo, privilégio imponente.
O prédio em si era uma sólida fortaleza cinza com colunas dóricas, cercada por um jardim formal e um gramado verde e liso. No interior, os quartos escuros estavam cheios de obras-primas penduradas juntas, no estilo de salão, em pesadas molduras douradas. Há um Seurat! E bem ao lado, uma Cézanne. Olhe lá, escondido naquele canto, um Van Gogh! E não se esqueça da obra-prima de Matisse escondida na escada, projetada nas sombras.
Era difícil focar em qualquer obra de arte em particular, que era exatamente a intenção de Barnes, para quem a beleza de uma dobradiça de porta e uma pintura eram a mesma coisa. Senti a pressão para absorver o máximo possível, pois parecia improvável que voltasse tão cedo. A experiência foi estonteante, esmagadora e inesquecível.
Em seu testamento, Barnes declarou explicitamente que sua coleção nunca poderia ser dividida e nunca poderia deixar o prédio em Merion que ele construiu para abrigá-la. O problema era que a fundação criada por Barnes não possuía os fundos necessários para manter o museu em funcionamento. Em vez de criar um conselho de pessoas ricas proeminentes que poderiam facilmente levantar o dinheiro necessário para manter as coisas funcionando, Barnes deixou a administração do museu em uma pequena faculdade afro-americana local de meios moderados, talvez ainda mais um "foda-se" para as elites da Filadélfia ele detestava tanto. Quando a casa começou a precisar de reparos, o dinheiro simplesmente não estava lá.
A crise financeira do museu proporcionou uma oportunidade para a cidade da Filadélfia, auxiliada por várias organizações sem fins lucrativos e pelo estado da Pensilvânia, de ir a tribunal e pedir a um juiz que anulasse os ditames da vontade de Barnes, uma história que é apresentada dramaticamente (e alguns dizem unilateralmente) no documentário The Art of the Steal. E assim, se era uma conspiração maquiavélica ou uma missão de resgate, a cidade da Filadélfia cumpriu seu desejo há muito desejado de mudar a coleção para o centro.
A Fundação Barnes está comemorando o aniversário de um ano de sua mudança para o Benjamin Franklin Parkway, no centro de Philly, na mesma rua do Museu de Arte da Filadélfia, cujos degraus da frente ficaram famosos pelo filme Rocky. Enquanto antes que o museu pudesse acomodar apenas um número limitado de visitantes, hoje é um ponto obrigatório da cidade, onde os ingressos são vendidos quase todos os dias.
Recentemente, viajei para a Filadélfia para ver o novo prédio, que do lado de fora é uma série de caixas bonitas, algumas de pedra e uma flutuando dramaticamente acima das outras, de vidro. Depois de entrar no prédio, passei por um longo saguão cavernoso que pode ser (e é) alugado para eventos particulares. De lá, entrei nas galerias, onde fiquei impressionado ao ver os cômodos do antigo prédio replicados quase exatamente, até as paredes de lona e o arranjo das fotos. De fato, vários docentes se vangloriavam de que as pinturas haviam sido penduradas "a 1/16 de polegada" do layout original. A única diferença era que as galerias admitiam mais luz para facilitar a visualização das pinturas.
O prédio é de bom gosto, as pinturas são bem cuidadas, os visitantes estão chegando. Tudo deve estar bem.
E, no entanto, por mais que isso pareça, achei minha visita um pouco triste. Tão lindamente e com bom gosto como tudo isso foi feito, não era o que o homem queria fazer com suas coisas. Talvez o que ele quisesse fosse irracional, bobo, vingativo, idealista e estranho. Mas não foi isso que tornou a Fundação Barnes tão mítica, tão interessante?
O que aconteceu com os Barnes não é exclusivo da Filadélfia, nem mesmo do mundo da arte. Hoje em dia, existe uma tendência em nossa cultura de limpar as coisas, apresentar todas as opções nas mesmas caixas modernas limpas e brilhantes, sem considerar o que se perde na tradução. Havia algo de bom - e sim, talvez elitista, na variedade difícil do passado, e eu temo que o charme dessa variedade esteja em perigo de desaparecer.
